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Commissionata dal senato messinese assieme alla Resurrezione di Lazzaro, per l'altare maggiore della chiesa di Santa Maria la Concezione di Messina, l'opera bella ed essenziale riporta ad una originaria concezione evangelica di umiltà la scena del classico "presepe". Merisi ambienta in una spoglia stalla, un capanno semidiroccato con assi rotti e legname malridotto dal tempo e dall'incuria, la scena della adorazione dei pastori nella notte santa. Bellori (1672) ne sottolineo la “capanna rotta e disfatta d’assi e di travi” senza pronunciare alcun giudizio di merito. Fu solo nel 1724 che Susinno ne offrì una minuziosa descrizione, riferendone la commissione al senato messinese. L’irreperibilità dei documenti, rilevata già prima del terremoto, non consente di verificarne la veridicità. E comunque noto come il senato messinese fosse “l’appaltatore” più attivo dell’intera città e una sua partecipazione a una commissione di tale rilevanza non lascerebbe stupiti. Abbate (1984), alla luce della iconografia marcatamente pauperista del dipinto, propone un possibile mediatore in Girolamo Errante, già generale dell’Ordine presente a Messina tra il 1605 e il 1611. Lo Spadaro (1987), invece ricorda che negli stessi anni, 1605-1609, divenne vescovo della città il minore osservante Bonaventura Secusio, ulteriore possibile tramite. In generale il tema dell’umiltà, della povertà evangelica, nelle iconografia pauperistica con la vergine distesa a terra ma nella posizione classica che sembra desunta da un sarcofago antico o da un mosaico bizantino, rimandano a una committenza “povera”. In questo spirito si intende la composizione nello spazio di una capanna al calore vero di una capanna, con i pastori che si inchinano su un gruppo divino e ne prendono luce in un’essenzialità compositiva senza precedenti. In generale l’Adorazione dei pastori, godette di una altissima considerazione, a partire dal Susinno che, contrapponendola alla Resurrezione di Lazzaro, la giudicò “l’unica e più maestrevole opera del Caravaggio, perché in esse [figure al naturale] questo gran naturalista fuggì quel tingere di macchia, furbesco, ma rimostrossi naturale senza fierezza d’ombre”. Per quanto le due pale mostrino differenze pittoriche e compositive, risulta difficile vedervi quella sorta di “redenzioni” annunciata dal Susinno. Se il biografo costruì un flebile appiglio per legare il cambiamento del Merisi all’influenza improbabile dell’opera di Antonio Catalano il vecchio, pittore messinese legato ancora a moduli manieristi e vicino ai modi di Federico Barocci, ci si sente al contrario autorizzati a credere che lo stato conservativo della  Resurrezione, sottoposta nel 1670 a un rovinoso intervento di pulitura, fosse a quelle date già sensibilmente alterato. Della “essenziale” vicinanza delle due opere ne fornisce testimonianza l’insuperabile descrizione che ne fece Longhi (1952): “Riuscì a terminare per i Cappuccini di Messina l’umilissimo ‘Presepio coi pastori’; e anche in esso tentò, più umanamente, il nuovo rapporto di ramante tra spazio e figure. La Madonna col minuto bambino sotto lo sguardo apprensivo dei pastori quasi colati in bronzo, appare spersa su quel poco di strame pungente, entro quel chiuso di animali immobili come oggetti, di assi e di stoppie che soltanto lucore all’orizzonte sembrava interrompere, per accordarsi col mugghio del mare invisibile; mentre scivolava in primo termine verso di noi, una specie di ‘natura morta dei poveri’ – tovagliolo, pagnotta e pialla da falegname in tre toni di bianco, bruno, nero – si restringer a un’essenza disperata”. Se bene parte della storiografia continua a proporre una esecuzione dell’opera anteriore alla Pala dei Crocifissi, si preferisce pensare a una più opportuna datazione che cade subito dopo la Resurrezione di Lazzaro, nel secondo del 1609. La tela, rimasta in loco fino alla soppressione delle corporazioni religiose, fu trasferito nel Museo Civico di Messina, nel 1887 e, di lì, alla sede attuale.

Per maggiori informazioni:

Museo regionale interdisciplinare di Messina

Indirizzo : Viale della Libertà 465
Provincia : Messina  Comune : Messina
Tel. : 090361292/93

Orari ingresso : 

Dal Martedì al Sabato ingresso dalle 9.00 alle 18.30 (chiusura 19.00);

Domenica e festivi 9.00-12.30 (chiusura 13.00).

Lunedì (non festivi) chiuso.

Biglietto singolo intero :  8,00 €
Biglietto singolo ridotto:  4,00 €

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Corre l’anno 1608 e, a bordo di una piccola imbarcazione, nottetempo, un uomo approda a Siracusa. Quell’uomo, fuggito da Malta, è Michelangelo Merisi da Caravaggio, personaggio già noto e ammirato per i tanti capolavori romani. Dopo la fuga precipitosa da Roma per la condanna alla pena capitale per l’omicidio del giovane Ranuccio Tomassoni nel 1606, a Malta Caravaggio sembra in procinto di recuperare una vita da uomo libero grazie al titolo di membro dell’Ordine dei Cavalieri Gerosolimitani ricevuto per i grandi meriti artistici. Ma è solo un’illusione, cui segue l’arresto per la rissa scoppiata a casa del cavaliere Fra Prospero Coppini il 18 agosto del 1608, e la fuga da Malta che aggiunge sul suo capo anche la dannazione dell’Ordine, che lo espelle definendolo “membrum fetidum et putridum”. Questo ennesimo episodio di violenza aggrava la sua già critica posizione di latitante e riduce a lumicino le speranze di ottenere una grazia dal Papa Paolo V. Con questi gravi sentimenti di sconforto l’artista sbarca a Siracusa dal vecchio amico Mario Minniti ed ottiene la committenza di un quadro su Santa Lucia. Caravaggio visita le latomie, percorre le catacombe delle prime comunità cristiane ed elabora la sua personale idea del martirio con un quadro di grande realismo che dipinge a metà: la scena del seppellimento in basso e, in alto, un vuoto smisurato, una catacomba o una latomia, una vastità desolata che aggiunge cupa tragicità alla scena e racconta tutta la disperazione che lo attanaglia. Come già ne La Decollazione di San Giovanni Battista, Caravaggio inserisce il tema della decapitazione da cui è ossessionato: la martire è deposta sulla nuda terra, a breve sarà seppellita, lo si intuisce dai due uomini forzuti che scavano con vigore quell’umile fossa in cui sarà deposta. Il seppellimento avviene davanti ad una folla attonita, testimone e partecipe addolorata delle esequie della martire, che riporta sul collo un taglio netto, segno del colpo finale infertole alla fine del martirio, quando muore sgozzata. Ecco la paura della pena capitale, che tornerà anche nelle ultime opere con l’autoritratto inserito nel Davide con la testa di Golia. Nel novembre del 1608 Caravaggio si reca a Messina dove, anche se pende su di lui la privatio habitus dell’Ordine, ottiene la commissione di due Pale d’altare, una dal Senato e, l’altra, da un ricco mercante genovese, Giovan Battista dè Lazzari, per la chiesa dei Padri Crociferi. L’atto di committenza della Pala per i Padri Crociferi non include il nome del pittore che stabilisce un soggetto vago di Madonna con Santi, ma alla consegna del lavoro i padri Crociferi si ritrovano una Resurrezione di Lazzaro. Come dichiarato da fonti autorevoli, non è l’assonanza con il cognome de Lazzari a suggerire al Caravaggio il nuovo soggetto da rappresentare, a far cambiare idea al pittore è qualcosa di realmente accaduto, un fatto di cronaca che ispira la sua pittura. Nel 1588 durante i lavori di ristrutturazione della chiesa di San Giovanni di Malta viene rinvenuta una necropoli romana in cui si crede di riconoscere il corpo di San Placido. I ritrovamenti continuano nel 1608, quando Caravaggio è a Messina e si pensa si tratti dei compagni di San Placido uccisi con lui nel 541. Quelli che in epoca romana erano unguentari messi a corredo funebre delle tombe, vengono considerati ampolle con il sangue dei martiri e ciò fa credere che si tratti delle ossa di San Placido e dei suoi fratelli. I padri Crociferi, in qualità di ministri degli infermi, assistevano i moribondi e dunque è verosimile credere che abbiano informato Caravaggio degli eventi miracolosi e, in particolare, della guarigione di un ragazzo, tale Placido Cardia, affetto da malattia polmonare. Dunque, Caravaggio ne La Resurrezione di Lazzaro potrebbe aver voluto raffigurare quel ragazzo tornato alla vita e quei frammenti di ossa ai suoi piedi potrebbero alludere ai ritrovamenti di teschi, mandibole e ossa rotte proprio nella chiesa di San Giovanni di Malta, nei luoghi in cui si trovavano il monastero benedettino e la chiesa di San Giovanni fondati da Placido nel VI secolo. Caravaggio ha immaginato la scena nella catacomba dove era stato seppellito Lazzaro con i personaggi allineati come nel bassorilievo di un sarcofago, ulteriore possibile allusione alla morte e alla sepoltura.Alcuni, affascinati dal miracolo, come il necroforo destinato a sorreggere Lazzaro, simile nella funzione di asse centrale  della tela a quello dipinto dal giovane Vasari nel suo Cristo portato al sepolcro, con il braccio destro nella medesima posizione assunta da quello del David del Buonarroti. Affascinato dal miracolo, il volto intravisto dietro il braccio di Cristo, a ripetere nell’espressione della bocca la traccia di quell’urlo già ricorso con valenze diverse e, per ultimo, nel personaggio barbuto del Seppellimento di santa Lucia dove potrebbe nascondersi un autoritratto. I personaggi come attratti dalla luce: l’altro necroforo che solleva la lastra tombale,o l'astante nel quale si sarebbe autoritratto. "Luce come materia salvificante che squarcia l’oscurità dell’antro e Cristo che, apparendo come tramite, sarebbe rimasto in penombra. Marta, che gli era corsa incontro, aveva esclamato: "Signore, se tu fossi stato qui mio fratello non sarebbe morto, ma anche ora io so che qualunque cosa chiederai a Dio, Egli te la concederà." Per tutta l’altezza della pala, sulla sinistra come una torre, Caravaggio ha rappresentato un poderoso pilastro ed anche il gruppo degli uomini con Cristo, undici in tutto numero che per sant’Agostino, autore caro ai Francescani, allude al peccato, alla trasgressione, ma anche all’inizio del ritrovamento. Il corpo di Lazzaro, semicoperto da un lenzuolo, teso in forma di croce, come il segno salvifico di panno ruvido color tané sulla spalla destra e sul petto del Padri Crociferi, in diagonale perché in bilico tra la vita e la morte, tragica metafora del dramma di Caravaggio, condannato che attende la remissione della pena capitale. Nei volti di Lazzaro e Marta, Caravaggio ripropone il bacio della madre al bambino risuscitato di Sessa Aurunca, affrescato da Giotto ad Assisi nella basilica inferiore di san Francesco, con i caratteristici profili aderenti in senso inverso, ma sposta il punto focale nella mano destra dell’uomo. Esatto incontro delle diagonali della tela, estremità del braccio viva, vibrante di luce, sollevata per rispondere al gesto di Cristo dalla mano con l’indice leggermente piegato verso la sinistra di Marta. La quale, colpita dalla medesima luce, è pronta ad articolarsi come quella del fratello, quasi a volersi caricare della stessa energia vitale per costituire il secondo polo di questo circuito rivitalizzante. Marta che aveva avuto fede, vedendo Lazzaro tornare in vita, con questo ingenuo, istintivo gesto di intima partecipazione vuole agevolare, duplicandola, la trasmissione dell’energia necessaria a ricondurlo in vita. Nota vibrante di amore fraterno, chiara allusione al profondo dolore di Giovanni Battista Lazzari, committente della tela, per la perdita del fratello Tommaso al quale, come Marta per il suo, avrebbe fatto dono anche del proprio respiro. Rappresentando così l’attimo centrale, il perfetto bilico tra la morte e la vita del fratello di Marta con la sinistra a giacere ancora presso il teschio e le ossa ai bordi del sepolcro, pronta a seguire istantaneamente la destra viva ed eretta, Caravaggio rievoca l’istante in cui l’Inferno, dopo avere divorato un uomo di nome Lazzaro, si doleva di esserselo sentito lacerare atrocemente dalle viscere con la forza della sola parola, per poi vederlo volar via, come un’aquila, rapidamente riafferrato dalla vita. Il dipinto, insieme all'"Adorazione dei Pastori" sempre di Caravaggio è possibile ammirarlo presso il Museo Regionale Interdisciplinare di Messina. Il Museo, recentemente ampliato espone opere di Antonello da Messina, Gagini, Alibrandi, Rodriguez, Minniti, Montorsoli, ecc. Con circa 750 capolavori distribuiti in 4700 mq di superficie interna su due livelli - percorso medievale, moderno, sezione archeologica e nelle aree e piazzali esterni - il patrimonio del MuMe è arricchito da opere di provenienza "estera". Chi arriva al MuMe percorre la storia e si ferma affascinato, non soltanto dinanzi ai due grandi capolavori di Caravaggio (realizzati da Michelangelo Merisi in fuga in Sicilia: una "Resurrezione di Lazzaro" e l'"Adorazione dei Pastori") e ai due Antonello da Messina ("Polittico di San Gregorio", opera datata e firmata, unica nel suo genere proprio per questa particolarità; e l'attribuita tavoletta bifronte acquistata nel 2006 da Christie's, con un "Ecce Homo" e una "Madonna con Bambino e francescano". Il percorso museale seguito è quello cronologico e nella collezione permanente, insieme ai vari capolavori già esposti stabilmente o a rotazione nelle sale della ex Filanda Mellinghoff, figurano decine di inediti o comunque pezzi poco conosciuti dalla comunità.

Per maggiori informazioni:

Museo regionale interdisciplinare di Messina

Indirizzo : Viale della Libertà 465
Provincia : Messina  Comune : Messina
Tel. : 090361292/93

Orari ingresso : 

Dal Martedì al Sabato ingresso dalle 9.00 alle 18.30 (chiusura 19.00);

Domenica e festivi 9.00-12.30 (chiusura 13.00).

Lunedì (non festivi) chiuso.

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 Giovan Battista Quagliata – La vergine appare a San Paolino

Messina, Chiesa di S.Rita in San Paolino

Figlio di Pittore, Giovanni Quagliata detto anche Giovan Battista, nasce a Messina nel 1603, e in gioventù dopo aver appreso i rudimenti dell’arte dal fratello maggiore Andrea, derivante dai Comandè, stimati pittori Messinesi della fine del ‘500, si recò a Roma a spese del comune dove attratto dalla fama divenne alunno di Pietro Berrettini da Cortona, da dove, secondo le fonti del Gallo (1755) e Grosso Cacopardo (1821) torno’ a Messina nel 1638 invogliato anche dalla notizia dell’operosità nella città dello stretto di Alonzo Rodriguez e di Antonino Alberti detto il Barbalonga. Al suo ritorno a Messina i suoi concittadini lo apprezzarono e lo colmarono di commissioni, la Curia Vescovile gli diede incarichi importanti per il Duomo e il Senato gli conferì il titolo onorifico di Pittore Camerale. Tanto lavoro gli concesse una vita agiata tanto da poter condurre una esistenza signorile, ma la sorte gli fu avversa tanto da avvelenargli l’esistenza a causa della cattiva condotta di due suoi figli e successivamente divenuto cieco mori nel 1673. Delle sue opere rimane ben poco a causa dei due grandi terremoti del 1783 e del 1908, alcune delle quali a lui attribuite fanno parte oggi dell’immenso patrimonio del Museo Regionale di Messina. Tra le opere esposte dell’artista si possono ammirare La Purificazione, Maria Immacolata, Nascita della Vergine, Comunione di San Benedetto, Madonna di Propaganda Fide, e una Messa di San Gregorio recentemente restaurata. Molte di queste opere provengono dalle chiese cittadine distrutte dal terremoto. Un’altra opera sempre attribuita al Quagliata è la Madonna col Bambino e santi francescani (1658) che puo’ essere ammirata presso la chiesa di Montevergine (S. Eustochia). L’opera che osserviamo e dalla quale prende il titolo questo argomento è  La vergine appare a San Paolino, conservata presso l’altare maggiore della piccola chiesetta dedicata a Santa Rita ubicata nei pressi di Piazza lo Sardo, agli inizi della Via Santa Marta a Messina. Questo dipinto è elaborato su una composizione equilibrata, ma animato da una splendida e calda cromìa che accentua l’esecuzione raffinata dei particolari e la misura classicheggiante delle figure di stampo Novellesco. Di un incontro con l’arte del Novelli si potrebbe trovare conferma in quanto gli affreschi nel coro della Cattedrale di Messina eseguiti poi dal Quagliata, erano stati commissionati originariamente al Novelli, e che il Novelli stesso, in qualità di architetto regio, si era fermato nella Sicilia orientale almeno fino al 1645 quando eseguiva il “San Biagio” per la Chiesa Madre di S. Lucia del Mela. Va notato allora come il San Paolino di quest’opera che presenta più di un riferimento con il S.Biagio del Novelli di S. Lucia, di cui ripete, in controparte, la posa, può fornire qualche utile indizio per l’approfondimento non solo dell’attività del Quagliata, ma anche per quella circolazione di opere e di idee che influì sull’ambiente pittorico Messinese più di quanto finora non sia stato rilevato. E’ interessante infine sottolineare lo scorcio del paesaggio in basso, che restituisce l’immagine a volo d’uccello degli antichi orti della Maddalena, tra l’altro poco distanti in linea d’aria con la stessa Chiesa, e che rappresenta un brano generalmente inusitato negli svariati inserti paesaggistici su Messina presenti in molte pale della stessa epoca. L’opera, restaurata sul finire degli anni ’70 ha fatto riemergere grazie alla pulitura la gloria degli angeli in alto ed il paesaggio in basso, ha restituito la cromìa originale che risultava alterata dalle ossidazioni e da ridipinture. Il restauro pittorico ha infine integrato le piccole lacune ed ha equilibrato a velature i rapporti tonali.

Tutti gli affreschi all'interno della Chiesa di Santa Rita furono nuovamente restaurati nel 1990 dalla SI.G.E.R.T. S.p.A. dell’allora presidente comm. Francesco Cambria, su iniziativa dell’”Inner Wheel” presieduto da Ebe Martines. I lavori vennero diretti dalla dott.ssa Caterina Ciolino della Soprintendenza di Messina. La chiesa di Santa Rita è molto popolare per il culto che viene tributato ogni 22 maggio, dal 1925, a Santa Rita da Cascia, con la distribuzione ai fedeli di rose benedette. 

Da annoverare infine, quanto scriveva l'allora Direttore del Museo Nazionale di Messina Enrico Mauceri nel 1922  sulla situazione dei maestri Messinesi dell’epoca:

"...Tutto il seicento messinese è da studiare e vagliare giacchè nulla finora si è scritto intorno ai vari pittori che si segnalarono in quell’epoca onde immeritata ne è stata l’ignoranza fuori della cerchia delle mura cittadine e non sempre equo il giudizio di coloro che hanno esaltati alcuni e coperto d’oblio altri, superiori di merito. La critica d’arte ha taciuto completamente su di essi come in generale su altri pittori siciliani, all’infuori del Monrealese, l’unico che si è salvato dalla ingiusta trascuranza. I migliori pittori Messinesi non sono mai stati valutati oltre che il destino comune che ha colpito l’arte siciliana per una doppia disgrazia, quella cioè di aver perduto molto della loro produzione nelle catastrofi che funestarono ripetutamente la loro povera Città, e di aver viste deturpate le loro opere da restauri o meglio rifacimenti addirittura per mano di imbrattatele, o maltrattate da incurie e da tante altre dolorose vicende. Essi, insomma, fuori di Sicilia sono stati sempre proprio degli ignoti, e solo ora che nel Museo di Messina se ne puo’ fare una sufficiente rassegna, dopo opportuni restauri e pulimenti che vanno gradatamente compiendosi, si può cominciare a dare quell’unicuique suum che è un’atto di doverosa giustizia attenuare esaltamenti esagerati e rendere il dovuto posto ad altri finora poco apprezzati".